Publicidad?
 

Hoy aparece en primera pagina de muchos periodicos la noticia, con gran fotografia incluida, de que George Clooney ha sido arrestado por la policia por participar en una manifestacion sobre la situacion en Sudan.
Lo primero en que pienso es en una maniobra publicitaria, sin despeinarse el flequillo este actor-director consigue aparecer en los periodicos de casi todo el mundo y ademas por una causa reivindicativa.
Conste que me cae bien, he visto peliculas suyas, tanto como actor o como director y creo que tiene talento, me recuerda en cierto modo a Paul Newman, hombres fisicamente guapos y brillantes en su trabajo, ricos y famosos, en fin unos mimados por la diosa fortuna.
Sin embargo me molesta esa especie de papanatismo que hay por lo yanqui, que esto es una noticia, pues bueno, pero tanto como para ocupar la primera plana de importantes periodicos nacionales, amen de las radios y televisiones, pues hombre me parece excesivo, ademas no creo que la detencion dure mas de alguna hora o quizas minutos. Estare al tanto aunque solo sea por curiosidad.
Me pregunto si este hombre habra ido alguna vez de putas, el sentido comun dice que no, pero no olvidemos que sin salir de los USA hay casos sorprendentes, por elemplo, el clan de los Kennedy, en su tiempo, los hombres mas poderosos del planeta eran aficionados a toda clase de encuentros sexuales y no fueron los unicos saludos

Cómo ha cambiado el cuento
 

En mi época, en las películas infantiles salían los de Parchís, o la primera Saga de la Guerra de las Galaxias, con la princesa Leia (ningún Sex-Appel), o Chewbacca (el personaje cinematográfico al que más me parezco, en el tamaño, parlanchín y "don de gentes").

El otro día fuí con mi hijo a ver "John Carter", un pestiño infumable de la Factoría Disney, que hará las delicias de los jóvenes por las aventuras, y las delicias de los padres por la princesa que sale, cuyo nombre no recuerdo y que no he tardado en buscar en el buscador omnipresente. Es una tal "Lynn Collins", que con todos los honores merecería ocupar un lugar de honor en el hilo de "Pibones" si supiera cómo colgar fotos, y de la que he encontrado una escena curiosa de otra peli:

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La verdad es que... viendo esta escena, estoy por invitar a mi chiquillo de nuevo a ver el bodrio de película que me tragué el otro día. No sé porqué, pero creo que tendré una sonrisa de oreja a oreja durante los 140 minutos que dura el pestiño de John Carter.

Avisados estáis.

Una buenísima y una flojita.
 

Me aburro un poco y os voy a comentar alguna de las últimas películas que he visto.

- Amanecer parte I.

Intocable. Eric Toledano y Olivier Nakache
 

Fanny me plantó en la cita de mediodia del sabado y parecia que se presentaba un fin de semana catastrófico. No fue así gracias al cine (sábado por la noche) y a Anyta (domingo por la mañana).

Aquí toca el cine así es que hablemos de "Intocable".

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En mis años de cine soliamos decir que habia tres clases de películas a saber las buenas, las malas y ... las francesas. Yo no soy un entusiata del humor francés que muy raramente me hace reir ( la única peli francesa que recuerdo "divertida" fue L'aventure c'est l'aventure -algunos no habriais ni nacido-). Ahora he vuelto a reir con este el estreno en Madrid de "Intocable", basada en una novela publicada por Anagrama (libro ; [Only registered and activated users can see links. Click Here To Register...]) con el mismo título y escrita por Philippe Pozzo di Borgo, uno de los personajes en que que está basada esta historia. Destaco que entre novela y película hay un abismo, tal como suele ser habitual entre ficción narrada y ficción filmada. La novela es mas real y el tratamiento ligeramente mas dramatico; la película es bastante más liviana y en momentos recuerda una mezca entre Paseando a Miss Daisy/El príncipe de Bel-Air/Perfume de mujer -dirigida por Dino Risi y protagonizada por Vittorio Gassman- y su remarke americano Esencia de mujer, dirigida por Martin Brest y protagonizada por Al Pacino.
¡¡¡OJO¡¡¡ solo recuerda pero no es lo mismo por que Intocable es una película francesa y ya se sabe que a la hora de crear los franceses ... se distinguen, son diferentes ( Diseño, moda, automoción aerodínamica, música, etc). No es una pelicula excelente pero si MUY agradable de ver y MUY recomendable por que es fácil, divertida, dramática, en ecasiones, muy bien filmada, muy bien fotografiada, con escenas realmente bonitas (parapente), ágil, bien interpretada, y con una música que abarca desde el barroco al rap teniendo como base a Ludovico Einaudi, quizás el último representante de la música minimalista audible, que consigue una banda sonora particularmente bella y que sustenta perfectamente el film. MUY Recomendable.

Mas información:

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La peor película jamas hecha desde que los Lumière Brothers jugaban a la peonza por las plazas de Lyon.

Esta si que es buena:

Una de mis pelis favoritas:

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Otra que tambien me gusto:


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Hard candy
 

"Hard candy". Curiosa película. La vi hace poco.
Es un tanto atípica tirando a muy muy atípica...
El cuento del secuestrador de menores pero al revés...la menor lo secuestra a él...y tiene un aceptable motivo para ello...el cual se desvela al final...

Saludos

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Una de las películas más interesantes que tratan este tema, tanto en la forma como en el fondo.
Da gusto ver a una actriz porno interpretar un papel de cine convencional con la naturalidad que lo hace Sasha Grey.
Es una peli difícil de ver: su estructura es no lineal y casi todo el metraje se centra en conversaciones, pero merece la pena. La peli pincha un poco en el ojo, no va a lo fácil, y se pueden sacar interesantes reflexiones acerca de este mundo, tanto por la parte de la oferta como de la demanda.

Para mi uno de los momentos más eroticos del cine sin que se vea nada en ralidad, es el polvazo que la echa el turco en la pasión turca a Ana Belen, uhmmmm tremendo, me empalmo cada vez q lo pienso. Ademas esa tia que ya es madurita pero tiene un morbazo especial.

Noches por días
 

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Un homenaje a la envidiable técnica cinematográfica que consigue convertir el día en noche.

Una maravilla.
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Peliculas muy muy buenas, que me han encantado y os recomiendo a todos:

-El Padrino (parte 1)
-Sin city
-Crash
-Pulp fiction
-Snatch. cerdos y diamantes
-Forrest Gump
-El club de la lucha
-El golpe
-Scarface (El precio del poder)
-Apocalypto

Donnie Darko
 

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Donnie es el perfecto chaval americano, dotado de gran inteligencia e imaginación.

Tras escapar milagrosamente de una muerte casi segura, comienza a experimentar alucinaciones que le llevarán a actuar como no lo había hecho jamás y a descubrir un mundo insólito a su alrededor.

Richard Kelly se inventó, para comenzar el tercer milenio, una película maravillosa que funcionó mal en taquilla pero que con el tiempo se ha convertido en todo un referente de la ciencia ficción y del cine independiente.

Richard Kelly no es un director muy prolífico y, de hecho, ha estado parte de su carrera ocupado haciendo series y curtiéndose viendo todo el cine posible (quienes le sigan en Twitter darán fe de ello).

En Donnie Darko debutaba en una "gran" producción (en la que parte del dinero venía del bolsillo de Drew Barrymore) y el director de Virginia se encarga de practicamente todo.

Suyo es un fabuloso guion que sí, se escuda en la situación mental del protagonista, pero no se limita a allanarse el camino, sino que utiliza sus propias licencias para profundizar y enrevesar más una historia inteligente en la que todos los diálogos y situaciones que se producen tienen un significado y están unidos directamente con el soberbio final en el que todo se une gracias, en parte, a una secuencia fabulosa adornada por la canción Mad World que también define a la perfección lo que intenta decir la película.

En su labor como director, Kelly no deslumbra tantísimo como en la de guionista, pero sabe medir el tiempo de las escenas a la perfección y utilizar la cámara para que el espectador esté en todo momento metido en la película.

Además, el cineasta planifica a la perfección cada plano y consigue que la cadena de escenas no baje nunca el nivel, ofreciéndonos, siempre, algo importante en pantalla.

El estilo casi gótico de muchas partes de la película es fundamental para que todo vaya sobre ruedas, metiendo cierto miedo en el cuerpo del espectador al tiempo que va desgranando detalles de que lo que más vale es el amor, contradeciendo, a propósito, al protagonista de su película en una escena legendaria.

Requiem por un sueño (Requiem for a dream)
 

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Harry (Jared Leto) y su madre (Ellen Burstyn) tienen sueños muy distintos: ella está permanentemente a dieta esperando el día en que pueda participar en su concurso televisivo preferido; la ambición de Harry y su novia Marion (Jennifer Connelly) es hacerse ricos vendiendo droga y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca tienen el dinero suficiente para ello.


A pesar de todo, Harry y Marion no se resignan y harán lo inimaginable para conseguir la vida que anhelan.


Impresionante experimento visual que sumerge al espectador en el descenso a los infiernos más aterrador jamás proyectado.


Es la "Divina Comedia" contada al revés.


El guión es sencillamente demencial y la puesta en escena deja en pañales lo arriesgado que había sido ya su trabajo en "Pi".


Los actores dan miedo de lo bien que están (incluyendo el onírico 'showman' Tappy Tibbons) y, en especial, una inconmensurable Ellen Burstyn que se quedó sin Oscar por agraciar a Julia Roberts.


A lo largo de este recorrido acompaña al espectador la perturbadora y desasogante banda sonora del Kronos Quartet que, una vez acabada la película, no dejará de perseguirle allá donde vaya y de ponerle los pelos de punta cada vez que escuche el asombroso tema principal, "Lux Aeterna".


La película avanza como un tren fuera de control para acabar todo con unos 20 minutos finales que dejan al espectador por completo destrozado mientras es incapaz de apartar la mirada de la pantalla.


Una película que deja cicatrices.

Salvajes - Oliver Stone
 

Hace ya algún tiempo os recomendé una novela de acción de Don Wisnlow, "SALVAJES".

Ahora os recomiendo la película basada en la novela ( con algunos cambios ).

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No es un peliculón pero pasas un rato inmerso en pleno cine de acción con malos (y malas) muy malos y buenos ( y buenorras) muy buenos. A mi no me acabó de llenar, solo me entretuvo las dos horas y poco que dura el film pero destacaré que:


*el director es Oliver STONE, conocido como guionista ( "Connan", "El expreso de Medianoche"- Oscar-, "El precio del poder"), y como director ("Salvador", "Nacido el 4 de Julio", "Platoon" etc). Stone es un director de garantia pero como todos de vez en cuando necesita dinero. El resultado es "Salvajes"

* Los actores. Los hay de dos clases: los viejos (John Travolta, Salma Hayek y Benicio del Toro ) y los nuevos [Only registered and activated users can see links. Click Here To Register...] (Chon), [Only registered and activated users can see links. Click Here To Register...] (Ophelia), [Only registered and activated users can see links. Click Here To Register...] (Ben) y esta categorización también serviria para etiquetar a los buenos actores ( los primeros ) y los malos ( los segundos ). Es el mayor fallo del film; una descompensación tan abismal se nota demasiado. Unos ponen la carne y otros el cartón. Aquí también puedo asegurar que John Travolta, Salma Hayek y Benicio del Toro, necesitaban dinero.

Hard Candy
 

Jeff (Patrick Wilson), un fotógrafo de 32 años, queda con Hayley (Ellen Page), una chica adolescente de 14 años a la que ha conocido a través de Internet.



Después de tomar un café, la lleva a su casa con el propósito de hacerle unas fotos...


Primer largometraje de David Slade, Hard Candy es un film duro y truculento, resuelto en clave de thriller, que juega constantemente con los conceptos de conciencia y culpabilidad.


Un estupendo guión (de Brian Nelson, al que debemos la también inquietante "La trampa del mal" sobre la historia de M. Night Shyamalan) en el que la información se irá desgranando sin engaños, de forma profusa y explicita, para acercarnos a un tema tan espinoso como la pederastia.


No hay demasiadas distracciones que nos aparten del corazón del relato, no hay un abuso del score ambiental, no hay más atrezzo del estrictamente necesario, la trama tiene la virtud de no caer en trucos fáciles de guión, y sobre todo la química entre los dos personajes centrales funciona, surgiendo una nueva revelación en Ellen Page.


Cándida y perversa, lúcida y enloquecida, terrorífica y asustada, pero siempre inquietantemente segura de sí misma, la Hayley que compone fluctúa entre sentimientos opuestos con tal fluidez y naturalidad que fue una de las grandes interpretaciones del 2.005 consagrándose en el 2.008 con su nominación a los Oscar por "Juno" de Jason Reitman.


Suyas son algunas de las miradas más intensas del cine reciente.


Siempre podrá enorgullecerse de que si hay una Caperucita Roja del siglo XXI, ésa es sin duda ella.

Headhunters
 

Pelicula noruega creo, fui con pocas expectativas y sali gratamente sorprendido, la recomiendo.

Casino de Scorsese
 

Las Vegas, 1973.

Sam Ace Rothstein, un profesional de las apuestas de carreras de caballos, es director de un importante casino que pertenece a un grupo de mafiosos.

Su misión es controlar el funcionamiento del negocio y garantizar que la corriente de dinero que va a parar a manos de sus jefes siga fluyendo.

Las Vegas es un lugar ideal para millonarios y políticos, pero es también lugar de paso de tahúres, prestamistas, traficantes de drogas,
matones...

Aunque no pueda ser tomada como la 2ª parte de Uno de los nuestros, Casino es una continuación de esos chicos de la calle que, por una vez en la vida, toman las riendas de una ciudad soñada: Las Vegas.

En si, esta película narra la transición entre dos mafias: desde la mafia que da origen a esta luminosa ciudad, hasta que las multinacionales, y con ellos los jubilados (maravillosa la irónica imagen final de esa excursión del Inserso invadiendo el casino), toman el relevo a esta gente de gatillo aún más rápido que un crupier con las cartas.

El genio de Scorsese vuelve a brillar con más esplendor que los neones que dan carácter a esta capital del juego.

Uno de los planos iniciales ilustra un poco la intención de este autor: un plano aéreo de Las Vegas se dibuja en una noche oscura; las archifamosas luces dibujan sus calles; el plano continua su avance sumergiéndonos en la negrura, en ese desierto que guarda más de un secreto.

Para eso, seguimos los avatares de Ace Rothstein (R. de Niro), un apostador profesional, casi un científico (no juega por placer) que puede hacer variar los pronósticos de todo el país; pero que hace una única apuesta mala: enamorarse de Ginger (S. Stone).

Sobre esta historia de amor, el bisturí de Scorsese radiografía sin perder detalle, en ocasiones con una violencia arisca, todo el complicado engranaje sobre el que se sustentan estos centros de juego.

Como siempre, va bien escoltado. El guión es de N. Pieleggi (que coescribiera ?Uno de...) & Scorsese; la fotografía, luminosa pero dramática de R. Richardson (director de la mayoría de las películas de O. Stone); el fantástico montaje, de su colaboradora más fiel, la montadora: T. Schoonmaker (están hechos el uno para el otro); la selección musical la realiza el propio Scorsese (sólo él y Kubrick tienen el poder de ajustar tan bien la banda sonora a la película); títulos: el último trabajo de S. Bass.

Un punto y aparte es el reparto, gran parte de él tomado en las mismas Vegas donde rodaba (sale también la madre de Scorsese bordando un papel de ?mamma? en una de las pocas escenas de comedia que hay).

¿Qué decir del trío protagonista? La altura del tándem: Scorsese, de Niro, y Pesci ya la conocíamos de otras obras maestras; aquí vuelven a jugar fuerte y salen ganando la apuesta con todos los honores.

Es fascinante ver como Pesci, que en otras películas está insufrible, con Scorsese su energía está más que redimida.

Borda el papel.

Pero esta cima tiene un nuevo huésped: Sharon Stone.

Su interpretación es desgarradora, sentida, casi no interpreta: es Ginger, una buscona fascinante, enamorada del dinero y de un hombre equivocado (un chulo magníficamente interpretado por J. Woods), encerrada en una jaula de oro por Robert de Niro; pero sin olvidar en ningún momento ese vuelo que la lleva a la autodestrucción.

En definitiva, Casino es esa mirada lúcida de un gran autor a un mundo que ya no existe, pero que con esta obra maestra queda para siempre grabada en nuestras retinas.

Blue in the face
 

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"¿Por cuánto te comerías un plato de mierda?"

Si a cualquiera de nosotros nos hicieran esa misma pregunta, no sabríamos que contestar, o por lo menos, nos chocaría bastante, ¿verdad? Pues tan chocante como esa pregunta es toda esta película, a la que mejor podríamos llamar experimento fílmico. Desde mi punto de vista, bastante acertado.

Está claro que la cinta no es una continuación en toda regla de Smoke, sin embargo, su espíritu permanece a lo largo de todo el metraje. Las historias siguen encadenándose en torno a ese estanco de Brooklyn que constituye una de las últimas muestras de un estilo de vida que está en peligro de extinción. La diferencia es que ahora las historias son más delirantes, en ocasiones disparatadas, pero precisamente por ello, parecen las más reales del mundo, a lo que ayuda sin lugar a dudas la actuación de Harvey Keitel, que esta vez se erige en el papel de narrador de esta fábula de animales urbanos.

En la cinta destacan algunos momento ciertamente memorables, como es la conversación con ese otro genio cinematográfico que es Jim Jarmusch, o la encuesta que realiza un Michael J. Fox con un atuendo realmente extraño, o las elucubraciones de Lou Reed frente a la cámara, o la escena de la canción de Victor Argo... y así indefinidamente.

Una película con frescura, un enorme grito de socorro para una forma de entender la vida que, desgraciadamente, parace haber acabado, y que tiene su máximo exponente en el personaje llamado Toni Fanelli, eternamente sentado ante el estanco de Auggie, con su cigarro, su café y su periódico, sin nada que hacer pero con mucho que decir.

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Los Tempios son un clan mafioso dirigido por tres ambiciosos hermanos.

Cuando se inicia la historia, toda la familia está reunida para asistir al funeral de Johnny, el hermano menor que se supone ha sido asesinado por Gaspare Spaglia, su máximo rival en el crimen.

Ante su ataúd, sus dos hermanos mayores, Ray y Chez, dos hombre torturados por su violento pasado, claman venganza.

La vendetta ha comenzado y nadie está libre de ella.

Más que notable película de Abel Ferrara, y creo que también bastante desconocida.

Absolutamente recomendable para la legión de amantes de las pelis sobre la mafia.

Hay tres películas de Ferrara en mi colección: Teniente corrupto, King of New York, y ésta.

Habiendo visto las tres la impresión que he sacado es que, por encima de otras consideraciones, este director se dedica a hacer un cine bastante personal; yo diría que no dirigido al consumo masivo.

Teniente corrupto es una obra magistral que a través de los ojos de Harvey Keitel retrata un mundo decadente y corrupto sin remedio ya.

Quizás la corrupción y una cierta decadencia están presentes también en las otras dos.

Ambas retratan el mundo gangsteril.

El rey de Nueva York es algo así como una exageración de la violencia.

A mí me pareció una película muy floja, sin un sentido claro y con un
Christopher Walken sobreactuado a más no poder.

Todo lo contrario que El funeral, una cinta en su justa medida: un metraje preciso, sin un solo minuto de más, técnicamente muy sobria y con una banda sonora espectacular.

Para darse cuenta de esto último, ver la primera secuencia, cuando el féretro es descargado del coche fúnebre y llevado hasta dentro de la casa.

Vaya cadencia, unos planos que realmente no tienen nada de extraordinario porque forman parte de la más pura cotidianeidad de aquellos años, y la dimensión extraordinaria en que los hace entrar esa canción, hasta que la música se mezcla con los gritos de dolor de la madre y las mujeres italianas, de luto y negro perfecto.

El argumento es complejo dentro de su sencillez: tres hermanos dentro del traidor circuito de la mafia.

Cada uno con un carácter diferente del otro, y por tanto con una actitud distinta ante lo que ocurre en su vida.

La muerte de uno de los tres desencadena los recuerdos, los vistazos hacia atrás, y la reacción de cada uno a lo sucedido.

Verdaderamente es la muerte lo único seguro de esta historia.

Algo que no se acostumbra a ver en las películas de este estilo es la figura de la mujer.

Brillante dentro de su resignación enlutada todo el elenco femenino.

Representan las mujeres un reducto de verdad, sabiduría y santidad en un mar de impotencia infinita.

Así queda reflejada la imagen de la típica familia (mafiosa) italoamericana donde se enfrenta el mundo de los valores familiares basados en un catolicismo profundo, con las mujeres supeditadas al hombre y resignadas a su papel en casa, y el mundo salvaje de puertas para fuera, el mundo de la jerarquía, el dinero y la muerte, el mundo de los Temple.

Y los actores, chapó, de verdad que sí.

Man on The Moon
 

Película que recrea la carrera profesional de un cómico algo desequilibrado pero increíble e innovador en su profesión, que tenía muchos pájaros en la cabeza (de ahí el título) pero que llegó hasta la cima del mundo de Hollywood siendo tal y como era...

Es obligatorio comentar que esta película comienza algo floja, pero que va mejorando a grandes pasos...

En donde lo mejor para mí son las apariciónes de Tony Clifton, un hombre de aspecto alcohólico y que no tiene ninguna clase de tapujos a la hora de reírse del público, donde por supuesto es un personaje que interpreta
Andy Kauffman, el personaje que interpreta Jim Carrey.

Jim Carrey, uno de los cómicos más productivos y laureados de los años 90, interpreta uno de sus mejores personajes en una de sus mejores películas, ya que esta cuenta con unas características únicas, me explico...

La historia consigue las dos caras de la moneda, es decir, al mismo tiempo que Andy Kauffman engaña a su público (como por ejemplo, estar aliado con futuras víctimas de sus bromas, para que todo parezca más espectacular) dentro de la historia que nos están contando consigue el mismo efecto en los espectadores del film.

Además es una película que te hace reír pero también llorar, algo inusual en las películas de este célebre actor.

Cuenta con un final triste, de emociones fuertes pero que se convierte en brutal y espectacular al darnos cuenta de que nos ha vuelto a engañar, algo que se le daba muy bien a Andy Kauffman, un cómico de pura raza, un hombre auténtico que todo lo que hacía (con gran ingenio e innovación) era por y para su propia diversión sin importarle lo que pensaran los demás.

Todo esto convierte a Man on the Moon en un peliculón que para mí ya consta en la lista de películas de culto (de ese conjunto de films que generación tras generación se siguen visualizando con gran admiración y que aportan algo nuevo al cine).

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Fahrenheit 451
 

El argumento de Fahrenheit 451 es extraordinario y conlleva una visión alertadora sobre el porvenir de nuestra sociedad o cultura.

De hecho es tan excelente que resulta lamentable que aún no se haya realizado una nueva versión más lograda y con mejores efectos especiales que la que hizo F. Truffaut en 1966, cuya puesta en escena parece en demasiados momentos la de un aficionado de tres al cuarto.

Si el argumento de la novela Fahrenheit 451, lo tomaran en sus manos, hoy en día, directores de la calidad técnica y detallista de Steven Spielberg, Zhang Yimou o los hermanos Larry y Andy Wachowski, estoy casi seguro que opacarían el producto de Truffaut, además pondrían de máxima actualidad la reflexión acerca del desinterés por la lectura de libros en los jóvenes contemporáneos.

La historia de Fahrenheit 451 merece gran atención, porque fue premonitoria de lo que ya está ocurriendo y que muchos que somos docentes hemos comprobado en el medio escolar y universitario: niños y jóvenes que manifiestan un enorme rechazo o falta de atracción por la lectura de libros (sin duda, debido a la facilidad de entretenimiento o satisfacción enajenadora que les proporcionan los medios audiovisuales, ante los cuales no tienen que esforzarse en crear imágenes mentales, como en la lectura de libros, pues eso ya se les da hecho).

Cuando muchos de nosotros éramos niños, no había televisión y leer era una auténtica pasión para los que contabamos con la cultura de saber leer y escribir, ya los ejemplares de Hergé sobre Tintín, ya las novelas de Julio Verne o los cuentos del libro Corazón, de Edmundo de Amici, etc., etc.

Pero, hoy por hoy, muchísimos más son los que tienen la suerte de saber leer y escribir y sin embargo le tienen aversión, tanto a la lectura como a la escritura a mano, y lo peor es que muchos de ellos son los que se preparan para ser profesionales de la enseñanza a los que vienen detrás.

Notable es también otra prospectiva que el autor de Fahrenheit 451 tuvo al escribir esta novela: nos presenta una sociedad civilizada donde la comodidad de matar el tiempo es lo máximo en logro existencial (algo nefasto, pues matar el tiempo no es lo mismo que VIVIR), y la realización femenina la explican las amigas de la esposa del bombero protagonista (Oscar Werner), que consideran una irresponsabilidad tener hijos; parecidamente, en nuestra sociedad civilizada actual, las mujeres consideran una irresponsabilidad tener hijos antes de los treinta años.

Algo patético, degenerado e innatural, por mucho que traten de obtener así su libertad o su felicidad, pues lo cierto es que es mucho más natural, responsable, gozoso, libre y feliz, tener hijos antes de los veinte años que después de los treinta.

La lógica de la economía coyuntural no puede desplazar a la lógica de la Naturaleza por mucho que los economistas e inventores de los ideales civilizados estudien en Oxford, Harvard o la Complutense de Madrid.

Snatch. Cerdos y diamantes
 

Apocalypse Now
 

El Capitán Willard es un oficial de los servicios de inteligencia del ejército estadounidense al que se le ha encomendado en Camboya la peligrosa misión de eliminar a Kurtz, un coronel renegado que se ha vuelto loco.

En el [Only registered and activated users can see links. Click Here To Register...] de la selva, en un campamento sembrado de cabezas cortadas y cadáveres putrefactos, la enorme y enigmática figura de Kurtz reina como un buda despótico sobre los miembros de la tribu Montagnard, que le adoran como a un dios.

Ya desde el inicio se nos indica por dónde van a discurrir los cauces de esta película.

Esa habitación de ventiladores que recuerdan helicópteros y napalm, de botellas vacías y olor a alcohol, de espejos rotos y manos ensangrentadas.

Ese cuartel militar con asfixiantes primeros [Only registered and activated users can see links. Click Here To Register...], de sudor en la frente, y con la voz de Kurtz de fondo. No se me ocurre mejor pistoletazo de salida para entrar en el alucinado universo que nos propone Coppola.

Poco a poco, de forma incesante, la película va adquiriendo volumen.

Se confirma esa pulsión malsana apuntada en el arranque, apretándola hasta el estallido final.

El descenso en picado al corazón del horror. Lográndolo Coppola sin apenas mostrarlo.

No lo necesita para transmitirlo de forma absoluta.

El horror en sí no le interesa.

Sangre y vísceras aparecen bastante menos de lo acostumbrado en una película bélica, pues Coppola sabe que la violencia es efímera.

Lo que perdura son las cicatrices que deja tras de sí.

Para explorarlas, se nos ofrece siempre el punto de vista de Willard, se nos prestan sus ojos.

Por ello compartimos la evolución alucinada del personaje, y nos metemos hasta el tuétano en la atmósfera de la película.

Contribuyendo a esta fascinante atmósfera está la situación de la guerra de Vietnam, pero en absoluto es lo primordial.

Por eso la versión Redux me parece que añade más lastre que otra cosa, con la escena de los franceses sobre todo.

Con ella parece que se quiere aportar una visión política del conflicto, que la película aporte al contexto, cuando es el contexto el que debe aportar a la película (con los Rolling, con the Doors, con las drogas).

Así se resta a la universalidad que se gana a pulso durante el resto del metraje.

Y es que buena parte de esta universalidad ya estaba en "El corazón de las tinieblas" de Conrad.

Aquí demuestra una vez más Coppola lo privilegiado de sus neuronas al adaptar la novela, despedazándola, despreciando la trama para quedarse con lo primordial: su esencia. Al pulirla y darle forma es cuando aparece "Apocalypse Now".

No es el resultado de la narrativa. Es Wagner a todo volumen ambientando un ataque de helicópteros.

Es el olor a napalm por la mañana.

Es la locura de un fuego cruzado alumbrado por bengalas.

Es la sobrecogedora evocación de un Brando desatado, por medio de la palabra, del horror de brazos seccionados.

Es eso y más.

Es cine en vena.

Blade Runner
 

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A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante.

Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra.

Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra.

Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena.

Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba retiro. Los Ángeles.
Noviembre 2019.

En un futuro de neón, publicidad ubicua y vapores masticables, Harrison Ford persigue, por una deshumanizada y mestiza megalópolis, unas máquinas con ansias de inmortalidad.

¿Qué decir de uno de los grandes clásicos de la ciencia-ficción?

Magistral en su desarrollo, brillante en su formato, inquietante en su trasfondo.

Tras Alien (1979), Ridley Scott vuelve a deleitarnos con otro film insuperable, sublime, adulto.

He visto cosas que vosotros no creeriais. Atacar naves en llamas más allá de Orión.

He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser.

Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia.

Es hora de morir....

Ante frases como ésta, poco más se puede añadir. Blade Runner...

¡Incluso el título es perfecto!

Recuerdo la hipnótica y tenebrosa 'Blade Runner' por su agobiante
atmósfera, por su lírico sentido de la tragedia, por su nunca gratuita violencia, por Harrison Ford, hastiado y antiguo cazador de replicantes...

Adicto anal tienes unos gustos cinematográficos sublimes, me quito el sombrero :occasion14:

Titus
 

Gracias amigo, J.David tambien tiene buen gusto, es muy de clásicos y veo que tiene debilidad por el cine Italiano.


El gran general romano Titus Andrónicus regresa a Roma después de su victoriosa campaña contra los godos.


Para celebrarlo, sacrifica a los dioses al hijo del caudillo vencido, ganándose así el odio eterno de Tamora, la madre del joven, que también es su prisionera.


La hora de la venganza llega cuando el corrupto Saturninus es nombrado emperador y toma a Tamora como esposa.


La directora Julie Taymor advierte al empezar la película que:



"En una época donde el racismo, la limpieza étnica y el genocidio ya no impresionan por ser hechos comunes y aparentemente inevitables, nuestra industria del espectáculo prospera con explícitos detalles de asesinatos, violaciones y vilezas.."


¿Qué nos quiere dar a enterder con tal introducción?


Pues, dado que la violencia forma parte del patrimonio más normalizado de nuestra época y además los medios de comunicación, la industria, los negociates de todo tipo e incluso el público en general la consumen, la disfrutan pagando por ella y la entremezclamos todos con nuestra cotidianidad como si fuese el pan nuestro de cada día, vean esta película, que no es ni más ni menos que vieja obra de teatro, "Titus Andronicus", escrita por William Shakespeare en 1593 y donde se presenta una tragedia al estilo griego, agudizando lo sanguinoliento y despiadado con seres humanos característamentes "homo violentus", es decir, inmisericordes, sedientos de sangre y carne destrozada de su propia especie, gestores de todo tipo de artimañas para deshumanizar o hacer muy dolorosa la vida de sus hermanos de mundo; vean esta obra que es como un espejo donde vernos a nosotros mismos.


Pero, ¡ojo!, dado que somos habitantes de una sociedad donde impera por todos lados esta idiosincrasia violenta y desalmada, la directora parece que nos transmitiera:



"Vean Titus Andronicus, pero no sean hipócritas, véanla no para rasgarse las vestiduras contra lo que es una muestra de su mismísima vida contemporánea, sino para aprender de tamaña barbaridad hecha habitual en nuestro día a día."


En dicho sentido Julie Taymor, consigue filmar un notable obra cinematofráfica, en forma de teatro hecho cinematografía.


En conclusión estética, poética y de agrado para la vista, la mejor escena de todo el film es la que transcurre en una vía pedestre de estilo romano, a cielo descubierto y grisáceo, con Titus, su hemano, un hijo y también su hija.


Se trata de una escena espléndida por la belleza de los colores y del escenario natural, aunque muy amarga por lo que narra.


No se puede decir lo mismo de otras partes del film, donde se recurre a decorados y vestuarios menos afortunados, pero en conjunto se trata de una obra impresionante que da qué pensar.


Por su puesto, absténganse de verla quienes detestan que les hagan pensar.